Youngjun Lee versucht in seiner Malerei, Zeit und Raum in der Malerei zu komprimieren. Während er in seinen früheren Werken durch Auslöschen und Übermalen Raum geschaffen hat, ohne die Leinwand zu unterteilen, versucht er in diesem Werk, die Schichten optisch zu vervielfältigen. Jede Schicht wird nach bestimmten, vom Künstler festgelegten Regeln übereinander gelegt und unterteilt. Zuerst setzt er spontan Linien, von denen ausgehend er dann mittels verschiedener Techniken und Materialien den Raum schichtweise aufbaut. Durch die Verwendung unterschiedlicher Materialien und Formate werden die Grenzen innerhalb des Bildes verschärft und der Raum geordnet.
Er versucht jedoch nicht, die Schichten auf der Leinwand streng voneinander zu trennen. Vielmehr will er die Zeitlichkeit und Räumlichkeit, die im Prozess des Aufbaus von Schichten entstehen, zerstören und neu erschaffen. Er verwendet gestalterische Elemente, die abgegrenzte Bereiche überschreiten und so die bereits geschaffenen Formen stören. Absichtlich nutzt er auch zufällige Effekte, um die systematische Struktur des Bildes aufzubrechen. Die Beziehungen zwischen den erzeugten Bildebenen vervielfältigen sich dabei von vorne nach hinten immer weiter, bis sie sich in der Bildtiefe in einem unüberschaubaren Durcheinander auflösen. Der Raum wird schließlich durch die Fragmente der in zahlreichen Auswahl- und Löschvorgängen hinterlassenen Darstellungen verzerrt, dekonstruiert und in eine ebene Fläche zurückverwandelt.
Lee sucht nach neuen Motiven in den komplexen Bildern, die wiederholt diese subversive Reise durchlaufen haben. Die dem Künstler auf dieser Reise ins Durcheinander begegnenden Strukturen, Formen, Texturen und Farben werden durch ihn interpretiert und, wie schnelle Notizen, nur flüchtig festgehalten. Diese abstrakten Zeichnungen werden über schon bestehende Bildelemente gelegt oder diesen gegenübergestellt, bis sich diese Schichtungen so sehr verdichten und durchdringen, dass sie schließlich zu einer räumliche Ebene verschmelzen, auf der die intuitiv erscheinende Formen ziellos umher zu schweben scheinen.
An dieser Stelle ist der Titel des Künstlers ein guter Hinweis, um die zersplitterten Strukturen zu verstehen, die über den Raum verstreut sind. Die im Bild zu sehenden Ebenen und die dort stattfindenden Ereignisse werden direkt im Titel erwähnt, wodurch dieser aber auch andere mögliche Assoziationen eingeschränkt. Dadurch ermöglicht er dem Betrachter nicht nur, die im verzerrten Raum schwebenden Bilder besser zu verstehen, sondern sich durch die Interaktion zwischen Titel und Bild auch eine neue Perspektive und ein neues Narrativ vorzustellen.
Durch seine einzigartige gestalterische Sprache erforscht Youngjun Lee neue Formen und schafft sensuelle Erfahrungen. Insbesondere bewahrt er während des Prozess eine Ambivalente Haltung gegenüber Absicht und Zufall, was die Spannung in seinen Werken noch verstärkt. Indem er Struktur und Form, Form und Inhalt organisch kombiniert oder zerstört und die Grenzen seiner Werke verwischt, lässt er die Möglichkeit verschiedener Interpretationen offen.
이영준은 회화 안에서의 시간과 공간을 압축시키는 실험을 하는 듯하다. 기존의 작업에서는 화면을 분할하지 않은 채 지우고 덧칠하는 기법을 통해 공간을 연출했지만, 이번 작업 에서는 층(layer)을 시각적으로 극대화하려는 시도가 두드러진다. 각각의 층들은 작가가 만든 일정한 규칙에 따라 쌓이고 나누어진다. 그는 무의식적이고 반복적으로 선을 움직이고 서로 다른 기법과 재료를 계획적으로 사용하여 면을 구분하여 공간을 구축한다. 이질적인 재료를 사용하고 형식을 다르게 함으로써 화면 속 경계는 선명해지고 공간이 정렬된다.
그러나 작가는 화면 속에서의 층(layer)을 엄격하게 구분하려 하지 않는다. 오히려 층을 쌓는 과정에서 나타나는 시간성과 공간성을 파괴하고 재창조하고자 한다. 그는 구분된 영역을 넘나드는 조형 요소를 사용하여 이미 만들어진 형태를 방해하게 둔다. 그리고 작업 과정에서 우연히 발생한 효과들을 의도적으로 남겨 화면 안에서의 체계적인 구조들을 깨뜨린다. 마치 지층의 횡단면을 위에서 조망하는 듯한 시각에서 앞, 뒤 혹은 위, 아래로 차례차례 쌓인 관계성은 순서를 잃고 흐트러진다. 수 많은 선택, 삭제과정을 거쳐 남겨진 이미지들의 파편들로 인해 마침내 화면은 왜곡, 해체되어 다시 평면적으로 변형된다.
이렇게 반복적이고 전복적인 여정을 거친 복합적인 이미지 위에서 작가는 새로운 모티브를 찾는다. 헝클어진 화면 속에서 마주하는 형태, 텍스쳐, 색상 등의 다양한 패턴(pattern)들은 작가만의 고유한 시각으로 해석되어 마치 아주 빠른 속도로 메모를 하듯이 등장한다. 스스로 만든 어지럽혀진 공간을 새롭게 인식하는 과정에서 떠오르는 추상적인 드로잉들은 기존의 이미지들과 나란히 병치 되거나 서로 다른 층위를 넘어 중첩된다. 직관적으로 나타나는 이 형상들은 화면속에서 다채롭게 혼합되어 마침내 목적을 상실한 채 화면을 부유한다.
이 때, 작가가 설정한 작품명은 화면 전반에 흩뿌려진 조각난 층서들을 이해하는데 좋은 단서가 된다. 화면 안에서 보이는 층위와 그곳에서 발생하는 사건들이 제목으로써 직접적으로 언급되는데, 이를 통해 관객들은 작가가 의도한 방향성을 인지할 수 있다. 작가는 제목을 통해 작품의 상황을 제약함으로써 보는 사람들로 하여금 어그러진 공간 안에서 떠다니는 이미지들을 더 잘 이해하게 할 뿐만 아니라, 작품의 제목과 이미지 간의 상호작용을 통해 새로운 시각과 이야기를 상상하게 한다.
이영준 작가는 본인만의 독특한 조형 언어를 통해 새로운 형식을 탐구하고 감각적인 경험을 구축한다. 특히, 그는 작업 과정에 있어서 의도와 우연이라는 양가적인 태도로 접근하여 작품 속 긴장감을 더한다. 구조와 형태, 형식과 내용을 유기적으로 결합하거나 파괴하여 작품의 경계를 모호하게 함으로써 다양한 해석의 가능성을 열어두었다.
Orange Container: An Analysis of Youngjun Lee’s Exploration of Pictorial Space
_By Shin Ji-hyun (Curator of Iimin Museum of Art)
Can the accumulation of lines and colors layered upon a flat surface transcend form to evoke spatial dimensions? If so, is pictorial space a creation, a discovery, or perhaps something that exists in the liminal space between them? Instead of offering definitive answers to these questions, Youngjun Lee extends the inquiry, exploring the possibilities inherent in pictorial space. In Lee’s work, layers adhere to the flat surface while simultaneously constructing a spatiotemporal realm that extends beyond the plane. His compositions can be described as a kind of score, informed by memory and experience, rather than merely an accumulation of overlapping layers. This invites viewers to lose themselves and then rediscover their sense of direction within the work, thereby embarking on a vicarious journey through the artist’s pictorial topography. At close range, the textures and materiality are unmistakably pictorial; from a distance, an entirely different spatial dimension emerges. Lee’s paintings, therefore, are not static images confined to the plane but dynamic, fluid fields where time, perception, and sensation intersect, perpetually reconfiguring themselves through this interplay.
An intriguing aspect of Lee Youngjun's work lies in its apparent deconstruction of norms traditionally associated with the medium of painting—such as flatness, representation, and periodic conventions—while simultaneously and persistently operating within these formal limitations. Lee transforms the canvas itself into a problematic and critical object, prompting contemplation on the essence of painting as a longstanding medium. Beyond the regular grids, Lee’s hands-free drawings and stenciled patterns emerge as products of an explosive force, evoking the rebellious spirit of graffiti through their spontaneity and reproducibility. This dynamic undermines the authority of painting—especially the absoluteness and finality often associated with abstraction—while redirecting the medium toward the free, unpredictable energy of the street. However, other layers juxtaposed with these gestures evoke the color-field abstractions of master painters, inviting contemplation of a more fundamental and transcendent spiritual depth. The interplay of points, lines, and planes—reminiscent of childlike playfulness or accidental water stains—effectively conjures the mundane occurrences of human existence, anchoring the work in the realm of the everyday. The multiple layers floating across the canvas guide viewers into a world of undefinable complexity, a likely intentional effect by the artist. In reality, every element within the frame is the product of meticulous calculation. Lee Youngjun does not simply pour multi-layered formal elements onto the canvas; rather, he employs speculation and simulation to achieve a delicate tension and balance between the flatness and spatiality inherent to painting. The coexistence of grids, recurring patterns, and atypical lines reflects a dynamic oscillation between regularity and autonomy. The process of calibration unfolds as a continuous act of dismantling all randomness, positioning his work not as a completed, finite image but as a potential canvas—open to transformation and expansion.
In the early stages of his artistic career around 2020, Youngjun Lee’s work exhibited a more figurative and narrative quality compared to his current oeuvre. As evident in the titles, works such as Three Dogs in a Plastic Bag (2020), Falling Down in the Spring (2020), and Das Sinken (2020) reveal the influence of personal experiences and storytelling. However, as this approach began to feel repetitive, Lee made a conscious decision to redirect his focus towards the formal and methodological aspects of painting itself. Beginning in 2023, he initiated a deliberate shift away from narrative and figurative imagery, emphasizing a deeper exploration of the medium. The crux of his experimentation now lies in the materials employed in constructing pictorial layers, the conditions of the ground, and the methodologies underpinning his manipulation of these elements. Lee’s approach transcends the conventional act of “layering.” Instead, he employs partial applications and parallel arrangements to explore the possibilities of pictorial space within the two-dimensional plane.
In contrast to his earlier works, which often followed sequential progression from left to right or top to bottom, Lee has now abandoned such narrative directionality, choosing instead to interweave temporal currents within his layered compositions, thereby disrupting conventional chronology. For example, he might create the illusion that a shadow-like layer was painted first, when in reality it was a later addition. This approach invites viewers to simultaneously trace and question the creative process, effectively losing their way within the work, as previously noted. Such disorientation can be seen as the artist’s invitation for viewers to linger within his pictorial realm—or, more actively, to “play” within the carefully constructed space. His canvases, balancing playfulness and seriousness, vibrancy and temporal disjunction, naturally prompt reflection on the artist’s movements and the time invested in creating them. The works featured in this exhibition are fundamentally based on square grounds. While some may perceive this as a formal decision aimed at achieving homogeneity through square grids, it is more closely tied to the artist’s exploration of balance within the canvas, induced by dynamic shifts in direction during the creative process. Although the final works are displayed on walls with a definitive frontal orientation, they are the result of a calibration process involving horizontal, vertical, and rotational manipulations. This methodology ensures that the compositions avoid appearing overly rigid or monotonous while also steering clear of a chaotic or uncontrolled aesthetic. Lee’s practice is not rooted in adhering to specific perspectives or layering for its own sake. Instead, his focus lies in achieving equilibrium within the interplay of symmetry, tension, and misalignment. The process of capturing or concealing emergent images within this balance forms the core of his artistic practice.
A crucial aspect to reconsider in Youngjun Lee’s work through this exhibition is the significance of the word “contain.” This term, which resonates with the exhibition title Orange Container, suggests that his canvases function not merely as flat surfaces for presenting images but as spaces that “contain” sensory experiences and narratives transformed into pictorial layers. The accompanying word “orange” in the title, which the artist described as a “frequently used color,” warrants deeper reflection. This preference may stem not merely from superficial taste but from layers of memory and experience embedded in the subconscious. Colors inherently carry diverse meanings shaped by external and internal factors, such as historical context, regional influences, cultural associations, and economic conditions. Thus, reducing a color’s meaning to conventional interpretations of its expressive or symbolic qualities is inadequate. Moreover, colors have the capacity to encapsulate deeply personal and intimate memories.
Youngjun Lee’s works are characterized by a rich spectrum of colors and tones, defying categorization into a specific mood and extending far beyond his use of orange. Among the recurring elements, the frequent incorporation of white is particularly noteworthy. White lowers saturation and reduces clarity, contributing to a distinctly soft and hazy aesthetic. This visual element may correspond to the “afterimages” of personal memories deeply embedded within the pictorial space Lee constructs. These traces, akin to codes intentionally embedded by the artist for his knowledge alone, are not necessarily intended to be unveiled in the present but may instead serve as clues to layers that could emerge in the future. In this sense, could “orange” function as a conceptual smokescreen or an additional layer of meaning? This interpretation reveals that Lee’s visual language is neither simply vibrant and refreshing nor solely an experiment in medium. Instead, it possesses emotional gravitas while remaining sensory, resisting easy categorization. The disorientation experienced within his pictorial trajectory is thus not accidental but a deliberate effect.
「Orange Container: 이영준의 회화적 공간 탐구에 대하여」
_신지현 (일민미술관 큐레이터)
화면 위에 쌓이는 선과 색은 형태를 넘어 공간을 불러낼 수 있을까. 그렇다면 회화적 공간은 창출되는 것일까, 발견되는 것일까. 혹은 그사이에 있는 것일까. 이영준의 작업은 이 질문에 응답하기보다는 그 자체로 질문을 확장하며 회화적 공간에 대한 가능성을 탐구한다. 겹겹이 쌓인 레이어들은 평면 위에 달라붙어 있지만 동시에 평면 너머 시공을 구축한다. 이영준이 그리는 화면이 레이어의 단순 중첩이라기보다는 경험과 기억에 의거한 일종의 무보(score)에 가깝다고 할 때, 관객은 그 속에서 길을 잃고 또 발견하며 작가의 회화적 경로를 대리 탐험한다. 눈을 들이밀어 다가가면 표면의 질감과 물성이 꼭 회화의 그것이고, 멀리서 바라보면 또 다른 차원이다. 다시 말해, 그의 회화는 평면 위에 정지된 이미지가 아닌 시간과 시선, 그리고 감각이 교차하며 끊임없이 재구성되고 있는 유동하는 장(field)이라 할 수 있겠다.
흥미로운 것은 그의 작업이 평면성이나 재현, 시대적 관습 등 회화 매체에 따라붙어 온 규범을 해체하는 듯 보이면서도, 동시에 그 형식적 한계 안에 집요하게 머무른다는 점이다. 이영준은 캔버스 그 자체를 문제적/비평적 대상으로 삼아 (회화라는) 오래된 매체의 본질을 생각하게 만든다. 규칙적인 그리드 너머 폭발하는 듯한 동력의 산물로 보이는 핸드 프리 드로잉과 스텐실 패턴 드로잉은 즉흥성과 반복성(복제 가능성)이라는 측면에서 일견 저항 정신을 담은 그래피티의 태도를 연상케도 한다. 이는 회화, 특히나 추상이 가져온 절대성과 완결성의 권위를 무너뜨리며, 거리의 자유롭고 예측 불가능한 에너지로 향하는 듯 보인다. 그러나 함께 배치된 다른 레이어는 대가의 색면 추상을 생각하게 하며 보다 본질적이고 초월적인 정신적 깊이를 고민하게 만든다. 이에 따라붙는 점, 선, 면을 가지고 노는 아이의 장난 같은 움직임, 엎지른 물 얼룩을 연상시키는 흔적들은 인간 존재의 범사(凡事)에서 발생할 법한 일, 그러니까 일상을 떠올리게 하기에 충분하다. 화면에 부유하는 복수의 레이어는 보는 이를 무어라 단언할 수 없는 복잡성의 세계로 안내한다. 이것이 아마 작가의 의도였으리라. 사실 화면 안에서 모든 일어나는 일은 계산된 결과다. 이영준은 다층적 조형 요소를 일시에 쏟아붓는 것이 아닌, 추측과 시뮬레이션을 통해 회화가 지닌 평면성과 공간성 사이 긴장과 균형을 구현코자 시도한다. 공존하는 그리드나 패턴의 반복, 비정형적 선은 그렇게 규칙성과 자율성 사이를 왕복운동한다. 조율의 과정은 곧 일말의 우연을 해체하는 과정의 연속이고, 이는 그의 작업을 단지 완결된, 닫힌 이미지로 귀결시키기 보다는 변화하고 확장될 수 있는 잠재적 화면으로 인식게 한다.
2020년경 작업을 본격적으로 시작할 즈음, 이영준은 비교적 지금보다는 더 형상적, 서사적이라 할 수 있는 이미지 그려 왔다.〈비닐봉지 속의 세 마리 개〉(2020),〈Falling down in the spring〉(2020), 〈Das Sinken (침몰)〉(2020) 등과 같은 작품명에서도 감지 가능하듯, 개인적 경험과 서사가 스며든 작업이었다. 그러나 이러한 접근 방식이 반복적으로 느껴지기 시작할 무렵, 그는 점차 회화적 형식과 방법론 자체에 더 집중하는 방식으로 나아가기로 결심한다. 그리하여 2023 년부터 본격적으로 이야기와 형상을 걷어내고 매체 탐구로의 전환을 가시화한다. 회화적 레이어를 쌓는 과정에서 사용되는 재료와 그라운드라는 조건, 그것을 다루는 방식에서 기반하는 방법론이 실험의 중심이다. 이영준은 레이어를 ‘쌓는’ 감각에만 몰두하는 것이 아닌 부분적으로 활용하거나 병렬적으로 재배치하며 2D의 화면 안에서 가질 수 있는 회화적 공간을 탐구한다.
과거 그의 작업이 왼쪽에서 오른쪽, 위에서 아래로 이어지는 순서가 있었다면, 이제는 그러한 내러티브적 방향성을 없애고, 레이어의 중첩 속에서 시간의 흐름을 뒤섞어 배치한다. 예를 들어, 그림자로 인식되는 레이어가 먼저 그려진 것처럼 보이지만 사실 나중에 덧붙여진 경우처럼, 그는 관객이 작업 과정을 추적하는 동시에 의문을 품도록, 앞서 언급한 대로 길을 잃도록 만든다. 이는 어쩌면 그의 회화적 세계, 그러니까 그가 마련한 공간 안에서 외부자가 머물다가 가기를, 좀 더적극적으로는 ‘놀다가 가기를’ 바라는 의도 아니었을까. 장난스러우면서 진지하고 생동하면서도 시차가 느껴지는 그의 화면을 보며 자연스레 작가가 이 앞에서 행했을 움직임, 보냈을 시간을 떠올려본다. 한편, 기본적으로 이번 전시 출품작은 정사각형 그라운드를 기본으로 한다. 보는 이에 따라 단순 조형적 차원, 즉 정방형 그리드에서 비롯하는 균질함을 위한 선택으로 인식할 수도 있겠으나, 사실 작업 중 발생하는 분방한 방향 전환을 통한 화면 내 균형 탐구와 더욱 밀접하게 관계 맺는다. 결과만 놓고 본다면 지금 그의 그림은 정면이 존재하는 작업으로서 벽에 걸려있지만, 그것은 때로 수평적으로 뉘이기도, 수직적으로 마주하기도, 혹은 사방으로 회전하기도 하며 너무 안정적이거나 지루하지 않게, 그렇다고 해서 너무 산발적이거나 통제 불능의 화면으로 인식되지는 않게끔 조율하는 과정에서 배태된 산물이라 하겠다. 특정 시점이나 방향에 얽매여 무언가를 재현하기 위하거나 레이어를 위한 레이어를 쌓는 것이 아닌 대칭과 긴장, 어긋남 속에서 균형을 맞추어 나가는 과정, 그 안에서 떠오르는 이미지를 붙잡거나 그대로 묻어버리는 행위 그 자체를 작업적 본질로 삼는 작가의 태도를 다시 한번 확인할 수 있는 대목이라 하겠다.
마지막으로 이번 전시를 통해 이영준의 작업에서 다시 한번 짚어볼 지점은 “contain”이라는 단어의 의미다. 전시 제목이기도 한 “Orange Container”와 연동하는 이 단어는 그의 화면이 그저 이미지를 드러내는 평면이 아니라, 그 자체로 감각적 경험과 서사를 회화적 레이어로 치환해 ‘담아내는 (contain) 공간’으로 기능한다는 점을 암시한다. 이에 따라붙는 ‘오렌지(Orange)’의 경우 작가는 “즐겨 쓰는 색”이라 에둘러 표현했지만, ‘즐겨 쓴다’는 것 자체만 놓고 검토해 보자면 이는 피상적 기호(嗜好) 이상의 심연에 존재하는 기억이나 경험 층위와 연관한 선택일 수 있다. 색에는 으레 시대, 지역, 문화, 경제 등 내외부적 요인에 따른 다양한 의미가 따라붙게 마련이기에, 이에 대한 관습적 해석만을 대상이 표현 혹은 함의하는 특성의 전부라 단언할 순 없다. 게다가 색에는 아주 개인적이고 내밀한 기억까지도 반영될 여지가 있다.
사실 이영준의 화면은 (오렌지색뿐만 아니라) 특정 무드를 형성 한다고 보기 어려울 만큼 풍부한 색과 톤을 구사해 왔다. 그리고 그 사이엔 적잖은 흰색이 가미된다는 공통점이 보인다. 흰색은 채도를 낮추고 선명도를 떨어트려 확실히 부드럽고 뿌연 느낌에 일조한다. 다소 급진적이지만, 이를 여전히 그가 만든 회화적 공간 깊숙한 곳에 여전히 존재할 개인적 기억의 ‘ 잔상’이 갖출 법한 특질과 맞물리는 시각적 요소로 해석한다면, 마치 그만이 알도록 심어놓은 코드처럼 구태여 현재의 시점에서 꺼낼 필요는 없지만 언젠가 드러날 레이어에 대한 실마리로서 이해할 수 있지 않을까? 그렇다면 ‘오렌지’는 일종의 연막 (혹은 개념적 레이어) 아닐까? 여기까지 생각이 미쳤을 때 비로소 그가 구사하는 화면은 그저 경쾌하고 시원하지만은 않은, 그렇다고 매체적 실험만이 전부는 또 아닌, 감각적이면서도 정서적으로도 일정 정도의 무게를 갖춘, 무어라 단언할 수 없는 화면임을 깨닫게 된다. 지금까지 우리가 그의 회화적 경로 안에서 길을 잃어 온 것은 우연이 아니다.